Elisabeth Tronhjem. Steine, die atmen.
Andreu Manresa
El País (Spanien)
Elisabeth Tronhjem ordnet Bilder und Konzepte im Stein, dringt mit Metall in den Sandstein Mallorcas oder den Marmor von Carrara ein, um die Ausdruckskraft zu entdecken, die im Verborgenen atmet. Sie löst Gesteinsstücke von Hand, schneidet, hämmert, meißelt, bearbeitet und poliert auf der Suche nach ihrer Berufung. Sie ist eine organische, dynamische und vielschichtige Bildhauerin.
(Die Bucht von Palma – Paseo Marítimo – Gomila – Titos – Victoria) Diese dänische Frau nährt sich vom Licht des Meeres, flieht vor dem Licht der Morgendämmerung und dem Sonnenuntergang, der die Bucht durchquert, um ein Farbenfeuer über dem spiegelgleichen, mit Booten gesprenkelten Mittelmeer zu entfachen. Elisabeth Tronhjem errichtet ein unbestimmtes ikonografisches Universum: Gesichter, geometrische Körper, Hände, Schmerz, Reflexion, ein wenig Schönheit.
Die edle und ursprüngliche Kunst, Steine zum Sprechen zu bringen, die Natur und das Leben in Mauern oder in die Haut loser Felsen einzuschließen, nahm ihren Anfang bei den anonymen oder berühmten Steinmetzmeistern durch ihre mittelalterlichen Altarschnitzereien, Portiken oder die Tore, die Werke der kirchlichen Kunst schützten. Die Steinmetze strebten nach realistischen Szenen, der legendären oder apokalyptischen Darstellung von Religion und Leben durch Heilige, metaphorischen Kontakt, in naiven bis pornografischen Formen, wie sie an Kapitellen und in Presbyterien zu sehen sind.
(Elisabeth Tronhjem EH ist eine einsame und privilegierte Bewohnerin der Frontlinie der Bucht von Palma sowie eine hartnäckige Bürgerin, die in ihrem einzigartigen Loft – in einem alten majorquinischen Anwesen, das später zu einem Sommerrefugium und dann zu Tronhjems Zuhause wurde – den Impulsen und Ansprüchen ihrer mächtigen Nachbarn widersteht, die ihre monolithischen Freizeit- und Luxusgeschäfte errichten und ausbauen).
Skulptur ist eine geistige Verpflichtung, eine einsame Arbeit, die unabhängig vom figurativen Bezug funktioniert. Die Entstehung dieser Sammlung bedeutete, Stein um Stein in individualisierten Herausforderungen zu kämpfen, eine nach der anderen, bis fast so etwas wie ein Schachbrett aus Figuren entstand. So sah ich sie: eine Armee von Figuren auf Sockeln, als ich das Werk und seine Schöpferin zum ersten Mal traf.
(Die Künstlerin entdeckte die Formbarkeit des Sandsteins, weil ihr Vater auf der Suche nach Sonne und Salz über die Meere Dänemark verließ und in einem alten restaurierten Minensuchboot in der Bucht von Palma ankam.
Die Familie Tronhjem blieb in Palma, und das Militärschiff wurde Teil der gewohnten Flotte. Der Patriarch hielt sein Haupt hoch und kaufte ein schönes Haus in der Nähe des Minensuchboots; dort befinden sich Elisabeths Atelier und Zuhause)
Die Erhebung und der Triumph der Natur, die Manipulation der Wirklichkeit, das Streben nach Schönheit, die Nachschöpfung von Körpern, die Rekonstruktion von Farben müssen einige der Optionen sein, die Künstler und Künstlerinnen im Laufe der Kunstgeschichte gesucht haben. Es ist möglich, dass traditionelle Bildhauer aufgrund der Verwendung der Materialien danach streben, die Seele der Steine, den Wind im Holz oder den Tod der Metalle zu entdecken.
(Eine Kuh und ein leeres Bronzepferd, beide nahezu realistische Figuren, deren Oberflächen nur angedeutet sind, stehen in EHs Haus in Palma und zeugen von anderen Perioden, alten Beispielen dieser Künstlerin mit einem Diplom in Bildender Kunst von der Akademie der Bildenden Künste, die viele Jahre in Contigliano in einem prächtigen mittelalterlichen Landgut in einem malerischen Haus lebte, ebenfalls mit herrlichem Blick auf den Monte Terminillo, der nahe bei Greccio liegt, wo der heilige Franziskus seine erste „presepio“ gründete. Im renommierten Pietrasanta bearbeitet sie Marmor und Bronze. Sie erschafft und spürt die historischen Erschütterungen der Kultur).
Die Amalgamierung von Räumen und die Transzendenz des Volumens mit Bedeutung charakterisieren das Werk von Elisabeth Tronhjem, die die leidenschaftliche Geduld besaß, mit Hammer und Säge zu dekonstruieren und dann mit Feingefühl die Geometrie und das Volumen eines Sandsteinwürfels zu rekonstruieren, als Übung in Weisheit und Geduld und in Anerkennung der Betrachterin und des Betrachters. Ihre unmittelbar damit verbundene Skulptur „Cube – Part and Totality“ befindet sich im Rathaus von Holstebro, einem der bedeutendsten Ausstellungsorte Dänemarks.
(Der berühmte Däne Jörn Utzon, der Architekt des Sydney Opera House, entdeckte den Sandstein auf Mallorca, die Wärme und konstruktive Freundlichkeit dieses Küstensteins – des festen Materials, aus dem Strände gemacht sind und auf dem die Insel ruht – und hat in drei Jahrzehnten sowohl Häuser in Portopetro de Santanyí als auch in S'Horta de Felanitx gebaut, die Monumente sind, bewohnbare Skulpturen, zwei wesentliche Juwelen der Architekturliteratur).
Eine Künstlerin oder ein Künstler bewältigt die permanente Gleichung mit Zweifeln und Stärke, das Abenteuer der Suche nach expressiven Wegen, den Kampf mit den Materialien, manchmal durch kalte Meditation und manchmal durch Zufall. Die Entdeckung, der Impuls und die Kontraste in diesen Stücken suggerieren einen fast mystischen Heiligenschein, eine Zurückweisung der Geschehnisse der Natur. Doch in der Matrix der Widersprüche, in ihren Mienen, Gesichtern und Höhlungen zeigen die „heiligen Steine“ von EH eine Art hölzerne Haut und eine transparente Architektur.
Elisabeth Tronhjem,
Verführerische Formen, verbundene Figuren
Mariano Apa
Im Vergleich zu anderen ausländischen Künstlern, die in Italien leben, bewahrt Tronhjem eine Aura, die sie gewissermaßen von dem Ort und der Gemeinschaft trennt, in der sie sich entschieden hat zu leben.
Anders als andere verbirgt sich diese dänische Künstlerin nicht hinter der exotischen, aber abgenutzten Romantik der „Bildungsreise“ oder gar der Isolation, die das „Goldene Zeitalter“ jeder Kultur kennzeichnet.
Für diejenigen, die sich im eigenen Land oft fremd fühlen, sind die Stille der Sprache ein Vorwand, nicht durch die etablierten Formen an den „gemeinsamen Orten“ zu kommunizieren. So ist die Einsamkeit, die entsteht, eine Quelle der Angst, aber auch ein Schutz vor Konsumismus und der Gewalt der Unwissenheit.
Vielleicht sind wir immer „Fremde“, für uns selbst und für die anderen. Es ist wahrscheinlich, dass nur die Kunstwerke versuchen können, miteinander zu kommunizieren, und in ihrem diskreten Versuch, die Außenwelt zu erreichen, Erleichterung für die Anstrengung der unerträglichen und schmerzhaften langen Silences der Nicht-Kommunikation geben.
Die Täler und Berge haben sich verändert – anders als die von der Rieti geschützten Hügel – im Hinblick auf die stechenden Stille und nächtlichen Schreie, weit weg in Jylland, in der Gegend von Herning; doch die „Frage“ nach Identität und Auseinandersetzung mit der Welt bleibt bestehen und formt die voluminösen Massen, die zwischen Leere und Fülle den Sinn einer Skulptur artikulieren, die in Wirklichkeit die Anatomie der Stille und der Schreie ist, die in der kargen Weite des Meeres zu hören sind, ertränkt im Toben des Windes, von Heldum, nahe Lemvig.
Tronhjems Skulptur artikuliert sich in der Bearbeitung von vornehmlich Holz, Eisen und schließlich Gips. Die kalten und warmen Materialien klassifizieren den Geschmack und den Duft des Körpers der Einsamkeit, der sich in der Geometrie und den volumetrischen Gegebenheiten der Höhlungen und der modularen Verbindungen zeigt, die architektonisch die vertikalen und diagonalen Räume organisieren, innerhalb derer die Figur Gestalt annimmt und die Bewegung des Körpers der Figur entsteht.
Mit Schwung und Intensität treten diese Gipsarbeiten hervor, an denen Tronhjem in letzter Zeit gearbeitet hat: die Modulation des Lichts über dem Klumpen aus Gips und Fleisch oder die noch immer stechende Undurchsichtigkeit der Schnitte, die das Licht je nach Opazität und Helligkeit der Polituren und Oberflächen reflektieren oder zurückhalten.
Die Schnitte bestimmen die Richtung der trockenen und schnellen Bewegungen, die fast gewaltsam wirken wie eine unterschwellige „spatialistische“ Geste im Stil der kantigen Geometrie eines nie vergessenen Fritz Wotruba oder eines Chillida – nicht zufällig angedeutet in einem von Tronhjems ersten großen Werken, das in den Dauerausstellungen des Holstebro Byråd moduliert wurde.
Unter solchen projektiven, geometrischen Bedingungen von konstruktivem architektonischem Wert vollzieht sich eine Verschmelzung zwischen dem geschmolzenen, aufgerissenen, zergliederten und zersplitterten Sinn jener Teile der Skulptur, die die anatomischen Figuren des Gesichts oder der Hände, der Arme oder der Beine evozieren.
Wie Jesper Knudsen, der Direktor des Holstebro Kunstmuseum, bemerkt hat, arbeitet Tronhjem mit informellen, geometrischen Verteilungen und vereint in ihrem Werk die Poesie der Figuration und der Abstraktion.
Figurationen und Abstraktionen, die die existenzielle Legende der Begegnung und der Umarmung, der Verlassenheit und der Gewalt, des Wiederfindens und des Verlusts vereinen. Zwischen Erlösung und Verderben findet die Umarmung zwischen dem Leeren und dem Vollen, zwischen Form und Formlosigkeit statt.
Zwischen der Umarmung in Rodins „Der Kuss“ und den vampirischen Umarmungen der Küsse in den Holzschnitten Munchs und folglich zwischen Rilke und Strindberg ergreift Tronhjem entschieden Partei für Munch: Sie extrahiert die Nerven, fadenartige Zeichen, die sich mit verkohlten Aufrissen in die weißen Wände des bearbeiteten Gipses einprägen, vom Licht modelliert, und übersetzt ihre architektonischen Gliederungen dynamischer Verdrehungen, bisweilen sanfte und bisweilen aggressive, fast dämmerhafte Verrenkungen, sodass diese Skulptur wahrhaft die (stilistischen und literarischen) Albträume des Strindberg von „Die Gespenstersonate“ oder „Hölle“ begleitet, leicht gedämpft durch die Legenden der „Bewohner von Hemsø“.
Jesper Knudsen
Elisabeth Tronhjem, Strenge und Ausdruckskraft
Das Werk Elisabeth Tronhjems ist seit ihrer Studienzeit stets von einem Sinn für Dynamik und Beherrschung geprägt gewesen. Die Spannung zwischen Einfachheit und Strenge einerseits und Ausdruckskraft und Beredsamkeit andererseits fällt häufig in einem einzigen Werk zusammen.
In anderen Stücken jedoch hat sie sich auf nur einen dieser Aspekte konzentriert. Als Studentin erlangte sie Anerkennung, indem sie den Preis „Det Neuhausenske Legats Konkurrence“ für ihre Lösung des Wettbewerbsthemas Kuben, Del og Helhed bzw. Würfel: „Teil und Ganzheit“ erhielt. Der Würfel lässt sich in viele Elemente teilen, die getrennt und gemeinsam eigene Werke bilden und umfassen. Zugleich schafft Tronhjem auch ausdrucksstarke und naturalistische Figuren, Porträts und Paargruppen, die einander lieben und umarmen.
Die sitzende Frau „Sus“ von 1986 gehört zu dieser Kategorie.
Nachdem sie sich in Italien etabliert hatte, traten neue Aspekte in ihren Skulpturen zutage. Eine freiwillige Isolation von der Kunstwelt ermöglichte es ihr anschließend, sich auf den künstlerischen Ausdruck zu konzentrieren. Das Ergebnis war eine Reihe von Arbeiten aus Holz, in denen die Schöpfungen sowohl die Merkmale architektonischer Strukturen als auch organischer Formen annehmen. In den letzten Jahren hat Tronhjem zudem eine Reihe von Figuren aus Gips geschaffen, in denen die Erfahrung des Bildhauerns in Holz umfassend weiterentwickelt wurde und die Züge sowohl der klassischen als auch der abstrakten Skulptur aufweisen.
1998 zog Elisabeth Tronhjem in den Familiensitz auf Mallorca, ein sehr charaktervolles Haus aus lokalem Sandstein, dem sogenannten „marés“. Ebendieser Sandstein, dem sich Tronhjem in ihrer fortgesetzten skulpturalen Arbeit leidenschaftlich hingibt. Hier arbeitet Tronhjem in dieser malerischen Umgebung, umgeben von Hotels und dem weiten Blick über das Mittelmeer.
In ihren Skulpturen verbindet Tronhjem ihre persönlichen Erfahrungen mit der Inspiration, die ihr die künstlerische Tradition der westlichen Mittelmeerkultur bietet. So finden sich äußerst expressive Figuren oder Figurenausschnitte, die dem Leiden nahestehen und in denen der Kopf oder das Gesicht dominiert, und häufig werden auch strenge oder formale skulpturale Elemente einbezogen.